Zwei Jahre Orchestrapunk – Licht, Klang, Rebellion.

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Es begann wie in einem guten Punk-Song: Mit einem lauten Knall – in meinem Fall ein Gehörsturz, der alles veränderte. Ganz offensichtlich hatte ich es übertrieben. Meinen E-Bass verkaufte ich samt Kabel und Verstärker und musste nun einen neuen Weg finden, um mich künstlerisch auszudrücken. Also tat ich das was viele Rockmusiker bereits vor mir taten: Ich kaufte ich mir eine Kamera und fotografierte mehr oder weniger das, was alle anderen auch fotografierten.

Als Kind zweier Welten – der Rebellion des Punks und der Komplexität der Klassik – hatte ich eine Idee in mir, die mich glücklich machte: Was, wenn ich die Welt der Orchester mit der Ästhetik des Punks aufmischen würde? Keine steifen Posen, keine glattgebügelten PR-Bilder, und ausschließlich bei Proben. Stattdessen: Schweiß, Emotion, Spannung. Das Ziel: Klassische Musik neu zu zeigen und meine Begeisterung für Mahler, Bach, Schostakovitsch und Bruckner mit Menschen zu teilen, die glauben dass die Musik für sie zu schwierig, zu elitär ist.   

Aber wie das oft so ist: Man hat eine Idee im Kopf die man für genial hält und findet seltsamerweise kaum jemanden, der diese Begeisterung teilt.

„Stellen Sie sich ein Orchester vor – aber eben nicht im Abendkleid und Anzug, sondern in einem Bildgewitter, roh, ehrlich, wild.“
Die Antworten klangen stets höflich – und endeten doch alle gleich:
„Vielen Dank für Ihr Interesse. Wir verfügen über unsere eigenen Fotografen, halten Sie aber gerne in Evidenz.“ Tatsächlich endete eines der Emails mit den Worten „Bitte sehen Sie von einer weiteren Kontaktaufnahme ab“. Tja. 

Ich hatte natürlich nichts vorzuweisen, außer einer Vision. Und dann, irgendwann nach unzähligen Mails, Anrufen und höflichen Absagen, kam das Mail aus Grafenegg. Das Jugendorchester der EU, das European Union Youth Orchestra mit Stardirigent Antonio Pappano war bereit für das Experiment klassische Musik in der Bildsprache des Punk zu zeigen.

Zwei Tage. Freie Hand. Meine Kamera und ich.

Grafenegg, für die die es nicht kennen, ist ein sensationell schöner Ort. Das Schloss und der Park erinnern mich an Hogwarts, die Open Air Bühne ist ein Platz, wo sich jedermann wohl fühlen kann. Dass man mich einfach machen ließ gab mir die Möglichkeit, diejenigen Motive zu suchen, von denen ich überzeugt war, dass sie andere überraschen. Und es funktionierte.

Was in den zwei Jahren darauf geschah, war wundervoll: Interviews mit Kulturjournalisten, eine Einladung bei meinem Lieblingsradiosender Ö1,  ein dritter Platz bei einem internationalen Fotowettbewerb, Veröffentlichungen in Magazinen, ein Speaker-Slot bei einem Klassik-Symposium, und vor allem: Eine neue Heimat in einer Welt, die ich bisher nur aus der Ferne bewunderte. Ich traf Menschen, die wie ich Klassik neu denken wollten. An allererster Stelle: Simon Rattle, der mich sehr unterstützte.

Es geht um Begeisterung!

Meine Begeisterung kommt mit Sicherheit auch aus der Rebellion, was für mich nur bedeutet es anders im Sinne vom besser zu machen.  Und ich liebe es auch, meinen Finger ein bisschen dorthinein zu bohren, wo es weh tut.

Ich habe mich als Pädagoge und Musiker immer als Vermittler verstanden – als jemand, der Musik begreifbar macht. Ich schleppte Schulklassen in Sinfoniekonzerte, organisierte Kinderworkshops für improvisierte Musik und machte vor der Klasse den ungezügelten Zampano, wenn es darum ging, den Funken für klassische Musik überspringen zu lassen.

Natürlich beschäftigt es mich, dass so viele Menschen mit klassischer Musik nichts anfangen können. Man kann das vergleichen mit dem für mich absurden Gedanken, dass 70% der Menschen keine Pizza mögen.  Im Grunde ist es mir egal, wie hoch der Altersschnitt im Konzert ist. Aber es ist mir nicht egal, dass das Marketing für klassische Musik eine ganze Menge Menschen gedanklich ausschließt, ganz einfach,  indem es diese nicht anspricht. Mir liegt das am Herzen,  weil diese Musik etwas mit dir macht. Weil sie dir Emotionen zeigt, von denen du vorher nicht wusstest dass sie existieren. Weil sie dich immer wieder aufs Neue wie ein kleines Kind staunen lässt, egal wie alt du bist. Und weil das jedem zugänglich sein muss. „Aber die Musik ist doch für alle da!“ höre ich. Das ist blanker Unsinn. Die gedanklichen und emotionalen Hürden, ein Sinfoniekonzert oder eine Oper zu besuchen sind  für viele Menschen immer noch viel zu hoch und die übliche Konzert -   Fotografie hat ihren Teil dazu beigetragen. Ergo: Wenn man möchte, dass andere daran teilhaben, muss gegen das rebellieren, was nicht funktioniert.

Üben, üben üben.

Ich wollte eine neue Bildsprache für Orchester entwickeln – und das hat mich vor enorme emotionale Herausforderungen gestellt. Wir sind ja permanent von Fotografien umgeben, die uns als Beispiel dienen „wie etwas aussehen soll“ oder wie etwas „richtig“ ist.  Gerade wir Fotografen sind da sehr anfällig für Input von außen. Und ganz besonders in der klassischen Musik herrscht ein klares Bild, wie diese Musik visuell transportiert wird.  Wie schaffe ich es also, die Bildsprache dem eigenen Empfinden anzupassen und trotzdem den Respekt vor der Musik und den Musiker:innen zu wahren?  Wie immer gibt es da 3 Möglichkeiten, die auch jeder Musiker kennt: Erstens: Üben. Zweitens: Üben. Drittens: Üben. Also habe ich jede Möglichkeit, Orchester zu fotografieren wahrgenommen, kostenlos, selbst finanziert, von Salzburg bis Berlin, München, Hamburg, Wien und New York.

Ein kleines bisschen Monk.

Im Laufe der Zeit habe ich nicht nur versucht, eine Bildsprache zu entwickeln sondern relativ schnell gemerkt, dass mir Rituale helfen, die Fotos zu machen, die ich mir wünsche. Und da ich mit der Kamera ja alleine unterwegs bin kann ich meine Rituale frei gestalten. Im Grunde gibt es nur zwei, auf denen meine Psyche besteht:

Nach der Anreise (und nachdem ich mich mit den Öffis in einer fremden Stadt verfahren habe) setze ich mich irgendwo in eine stille Ecke und setze meine Kopfhörer auf.  Und dann sorgen für die nächsten 20 Minuten Kraftwerk, dEUS, Miles Davis oder Motörhead dafür, dass ich mich nicht dazu verleiten lasse, in die übliche Klassik- Bildsprache zu verfallen.

Das zweite Ritual ist, mich meiner Doc Martens zu entledigen, wenn ich den Konzertsaal betrete. Der positive Nebeneffekt ist, dass ich mich tatsächlich unhörbar wie auf Samtpfoten bewegen kann. Der hauptsächliche Grund aber ist, dass ich den Saal damit zu meinem Zuhause mache, in dem ich mich pudelwohl fühle. Lange bevor ich die Kamera auspacke und bevor die Musiker:innen kommen, spaziere ich in warmen Socken durch den Saal wie durch ein gigantisches Wohnzimmer, rieche das Holz, streiche über die Sitze, suche das Licht, staune und entdecke die Besonderheiten.

Jede Begegnung war spannend, und ich habe vor jedem Shooting Herzklopfen. Aber natürlich gab es in den zwei Jahren einige besonders herausragende Momente:

Simon Rattle, der mir mit offenen Armen entgegen kommt und sagt:
„Your images are fantastic! We need more of that!“, der nette Portier, der mich durch die komplette Elbphilharmonie führt, weil ich mich heillos verlaufen hatte und weder meine Kamera  noch die Bühne finden konnte.

Der Rauswurf durch den Opernregisseur, weil man ihm nicht gesagt hatte dass ich komme, die wundervolle Szene, in der ich bei den Proben zu „Der Barbier von Sevilla“ kurzerhand eingeteilt wurde, Bühnenelemente von A nach B zu tragen weil man dachte ich sei ein neuer Bühnenarbeiter, Netrebko, die mir Herzchen auf Instagram schickt.

Das Kennenlernen meiner persönlichen Helden wie dem Radio String Quartet.  Oder die Einlasskontrolle für Fotografen in der Carnegie Hall, die mehr dem Sicherheitscheck im Weißen Haus als einem Konzertbesuch glich. Danach folgte mir ein Mitarbeiter mit Funkgerät auf Schritt und Tritt – nicht als Begleitung, sondern als Argusaugen- Aufpasser.

Einige Bilder treffen einen Nerv, andere verpuffen. Manche Fotografien muss ich auf Wunsch der abgebildeten Personen löschen, andere stoßen auf Begeisterung.  Manche Fotografien funktionieren auf Anhieb, andere benötigen Zeit. Es ist wie in einem Punksong. Nicht jeder Akkord kommt tight.  Aber wenn er trifft, dann trifft er dich ins Gesicht. Das zumindest ist mein Ziel.

 

Two Years of Orchestrapunk – Light, Sound, Rebellion.

It all started like a good punk song: with a loud bang. In my case, it was sudden hearing loss—and it changed everything. Clearly, I’d pushed it too far. I sold my bass, along with all the gear, and had to figure out a new way to express myself. So I did what a lot of rock musicians do when they hit a wall: I bought a camera and started taking pictures—mostly of the same stuff everyone else was photographing.

Growing up between two worlds—the rebellion of punk and the complexity of classical music—I had an idea that made me feel genuinely excited: What if I brought punk’s raw visual energy into the world of orchestras? No stiff poses. No perfectly polished PR shots. Just rehearsals. Real moments. Sweat, emotion, tension.
The goal? To show classical music in a fresh light—and to share my love for Mahler, Bach, Shostakovich, and Bruckner with people who think this music is too complicated or elitist for them.

Of course, it wasn’t easy. I had this idea in my head that I thought was amazing… and then realized that almost no one else seemed to get it.
“Imagine an orchestra—but not in tuxes and gowns. Imagine it wild, raw, honest. Like a visual punk gig.”
The responses were always polite. But almost always ended the same way:
“Thanks for your interest. We work with our own photographers, but we’ll keep you in mind.”
One email even said, “Please refrain from contacting us again.”
Ouch.

To be fair, I didn’t have much to show—just a vision.
Then one day, after a long list of emails, phone calls, and friendly rejections, I got a message from Grafenegg. The European Union Youth Orchestra, led by the amazing Antonio Pappano, was open to trying something new. They said yes to the idea of showing classical music through a punk lens.

Two days. Full freedom. Just me and my camera.

If you’ve never been to Grafenegg—it’s stunning. The castle and park feel like Hogwarts, and the outdoor stage is a space where everyone feels welcome. Being given complete creative freedom let me chase the kind of images I knew would surprise people. And it worked.

The two years that followed were pretty incredible: interviews with arts journalists, a spot on my favorite radio station (Ö1), third place in an international photo contest, publications in magazines, a speaker slot at a classical music symposium—and most importantly: a sense of belonging in a world I’d only admired from the outside.
I met people who also wanted to rethink classical music. At the top of that list: Simon Rattle, who gave me amazing support.

It’s all about passion.

And yeah, a bit of rebellion too. For me, rebellion means doing things differently—with purpose. I like poking at the sore spots, asking: could we do this better?

As a teacher and musician, I’ve always seen myself as a translator—someone who helps people get music. I’ve dragged school classes into symphony halls, run music workshops for kids, and played the over-the-top showman in classrooms just to get that classical spark to ignite.

It really gets to me that so many people feel like classical music just isn’t for them. To me, that’s like saying 70% of people don’t like pizza. I’m not too worried about how old the average concert audience is—but I am bothered that the way classical music is marketed leaves out a whole bunch of people. It just doesn’t speak to them.

And that’s a problem. Because this music does something to you. It unlocks emotions you didn’t even know you had. It makes you feel wonder—again and again—no matter how old you are. And that should be for everyone.
I hear it all the time: “But classical music is for everyone!”
Yeah, no. Not really. The emotional and mental hurdles to stepping into a concert hall or opera house are still way too high for many people. And the usual concert photography hasn’t helped. So if we want people to connect with this music, we have to challenge the things that don’t work.

Practice, practice, practice.

I wanted to create a new visual language for orchestras—and that came with a lot of emotional ups and downs. We’re constantly surrounded by images that tell us what things should look like. Especially as photographers, it’s easy to fall into those patterns. And in classical music, the “look” is very clearly defined.

So how do I make pictures that feel true to me, while still respecting the musicians and the music? Same way musicians do it:

1. Practice.

2. Practice.

3. Practice.

So I said yes to every opportunity. I shot orchestras for free, paid my own travel—from Salzburg to Berlin, from Munich to Vienna, Hamburg, and even New York.

A little bit Monk.

Along the way, I realized that having a few personal rituals helps me shoot the kind of photos I want. Since I usually travel alone, I get to make my own rules. And there are two rituals I stick to without fail:

First: after arriving (and inevitably getting lost on public transit), I find a quiet spot, put on my headphones, and let Kraftwerk, dEUS, Miles Davis or Motörhead remind me not to fall into the old classical-photo habits.

Second: I take off my Doc Martens before I step into the concert hall. Bonus: I move silently. But more importantly, it makes the hall feel like home. Long before I unpack my camera or the musicians arrive, I walk around in warm socks like it’s my living room. I smell the wood, touch the seats, look for the light, and just let myself be amazed.

Every shoot is exciting—and I still get nervous beforehand. But some moments stand out:
Simon Rattle coming up to me, arms wide open:
“Your images are fantastic! We need more of that!”

The kind porter at the Elbphilharmonie who gave me a full tour because I was completely lost and couldn’t find either my camera or the stage.

Getting kicked out by an opera director who didn’t know I was coming.
Or the time during The Barber of Seville rehearsal when someone thought I was a new stagehand and had me carry set pieces.
Netrebko sending me heart emojis on Instagram.
Meeting some of my heroes—like the Radio String Quartet.
And getting searched like I was entering the White House just to photograph at Carnegie Hall—then being followed by a staffer with a walkie-talkie the entire time.

Some images hit a nerve. Others don’t. Some I’ve had to delete at the request of the people in them. Some people are thrilled. Some photos work right away, others take time. It’s like a punk song—not every chord lands perfectly. But when it does, it hits you in the face.

That’s the goal.

Warum traditionelle Orchesterfotografie nicht glaubwürdig ist und was ChatGPT dazu sagt.

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Meine Leidenschaft?
Orchester bei Proben zu fotografieren.

Warum? Zwei Gründe:
Erstens finde ich den kreativen Prozess wahnsinnig spannend, spannender als das Ergebnis.
Zweitens spricht behind the scenes-Fotografie auch Menschen außerhalb der Klassik-Bubble an – wenn sie gut gemacht ist.

Da ich etlichen Orchester-Accounts auf Social Media folge, sehe ich täglich Bilder von Proben und Konzerten, häufig untertitelt mit Worten wie intensiv,  leidenschaftlich, explosiv oder zerrissen von inneren Kämpfen.
Nun muss man wissen, dass unser Gehirn Bilder deutlich schneller verarbeitet als Worte.
Wenn ich also das Foto sehe und dann den Text lese, wirkt es oft, als wolle man ein eher mäßig aufregendes Produkt mit einem Hauch Marketing-Drama aufpeppen. Das fühlt sich unweigerlich gewollt und gezwungen an. Mit anderen Worten: Unglaubwürdig.

Verstehen Sie mich nicht falsch – ich zweifle nicht daran, dass Orchester X unter Dirigent:in Y das Stück Z tatsächlich sensationell und mit voller Intensität gespielt hat.
Aber ich kenne mich aus.
Jemand, der außerhalb der Klassik-Welt steht, sieht die Sache vermutlich anders.

Fotografie lebt von flüchtigen Momenten. Den richtigen Momenten. Von diesen Sekunden, in denen etwas passiert, das nie wieder genauso geschehen wird – und ein spannendes Bild auf klassische Musik wirft.
Dass gerade diese Momente auf Social Media oder in orchestereigenen Magazinen fast nie genutzt werden, ist mir unverständlich. Vor allem, weil das erklärte Ziel doch ist, ein neues Publikum aus mehr Bevölkerungsschichten für klassische Musik zu gewinnen.

Dabei sind Orchesterproben voller Szenen, die selbst Menschen faszinieren können, die sonst lieber Metal hören. Selbst wenn das Orchester aus lauter stillen, introvertierten Charakteren besteht – mit Geduld und einem guten Gespür für Komposition lassen sich Bilder einfangen, die den Worten leidenschaftlich, magisch und intensiv wirklich gerecht werden. Und Leidenschaft, Magie und Intensität sind doch genau das, was wir alle suchen, um dem Alltag  entfliehen zu können.

Auch die Präsentation der Bilder ist ein nicht wiederholbarer Moment.
Wenn sich erstmal die Wahrnehmung festgesetzt hat, dass klassische Musik langweilig, distanziert oder bieder ist oder meine Peer-Group dort nicht anzutreffen ist  – dann ist es richtig schwer, das später wieder geradezubiegen.

Und was sagt ChatGPT dazu?

Während ich meinen Vortrag fürs European Arts and Business Forum vorbereitet habe (Thema: What makes classical music timely“) habe ich ChatGPT gefragt – teils aus Neugier, teils aus wohltuender Punk-Faulheit:

„Was ist der Unterschied zwischen Rock’n’Roll-Fotografie und Orchesterfotografie?“

Antwort:

„Rock’n’Roll ist Teil einer Ära des Aufbruchs und des Wandels. Das zeigt sich in der Fotografie durch  energiegeladene  Bilder und ausdrucksstarke Szenen .
Klassische Musik hingegen ist tief verwurzelt in Tradition und Geschichte. Ihre Fotografie dokumentiert das kulturelle Erbe und die Kontinuität ihrer Meisterwerke.“

Klingt nach einem Bot, der irgendwas nachplappert, was er irgendwo aufgeschnappt hat?
Ist es auch. Und genau deshalb liegt da ein großer Wahrheitskern drin.

Ich hab dieses ChatGPT -  Zitat jedenfalls genau so  in meinen Vortrag eingebaut – als Antwort auf die Frage, was Klassik heute relevant macht und dazu gesagt, dass ich versuche, klassische Musik visuell mehr wie Rock’n’Roll aussehen zu lassen – emotional, rau und nahbar.

War nicht jedermanns Sache im Saal.
Aber am Buffet gab’s Umarmungen.
Das zählt.

Why traditional Orchestra -photography isn´t credible – and what ChatGPT has to say about it.

My passion?
Photographing orchestras during rehearsals.

Why? Two reasons:
First, I find the creative process incredibly exciting – far more exciting than the final result.
Second, behind-the-scenes photography has the power to reach people outside the classical music bubble – if it’s done well.

I follow quite a few orchestra accounts on social media, so I see rehearsal and concert photos daily, often captioned with words like intense, passionate, explosive, or torn by inner conflict.

Now, it’s important to remember: Our brain processes images much faster than words.
So when I see the image before I read the caption, it often feels like someone’s trying to spice up a not-so-exciting picture with a bit of marketing drama.
And that inevitably feels forced. In other words: not credible.

Don’t get me wrong – I have no doubt that Orchestra X, under Conductor Y, played Piece Z with real passion and intensity.
But I know the context.
Someone outside the classical world probably sees it differently.

Photography lives in fleeting moments. The right moments.
Those few seconds when something happens that will never happen quite the same way again – and that cast a striking light on classical music. The fact that these moments are almost never used on social media or in in-house orchestra magazines honestly baffles me. Especially when the declared goal is to attract a new and more diverse audience to classical music.

And the thing is: orchestra rehearsals are full of scenes that could fascinate even metalheads.
Even if the orchestra consists entirely of quiet, introverted personalities – with patience and a good sense for composition, you can capture images that truly earn words like passionate, magical, and intense. And passion, magic, and intensity are exactly what we all look for when we want to escape the monotony of everyday life.

Presentation matters, too – it’s a moment you don’t get to repeat.
Once the perception is set that classical music is boring, distant, or stuffy – or that my people won’t be found there – it’s hard to change that impression later.

And what does ChatGPT have to say about all this?

While preparing my talk for the European Arts and Business Forum (topic: What makes classical music timely), I asked ChatGPT – partly out of curiosity, partly out of good old punk laziness:
“What’s the difference between rock’n’roll photography and orchestra photography?”

The answer:

“Rock’n’roll is part of an era of rebellion and change. This is reflected in its photography through energetic imagery and striking scenes. Classical music, on the other hand, is deeply rooted in tradition and history. Its photography documents cultural heritage and the continuity of its masterpieces.”

Sounds like a bot repeating what it read somewhere?
That’s exactly what it is. And that’s why there’s a big chunk of truth in it.

I ended up using that exact quote in my presentation – as a lead-in to the question of what makes classical music relevant today.
And I said that I try to make classical music look more like rock’n’roll – emotional, raw, and relatable.

Not everyone in the room loved it.
But there were hugs at the buffet.
That’s what counts.

Whats inside?

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Aus meiner Sicht ist die behind the scenes – Fotografie das wichtigste Marketingtool für Orchester. Vielleicht nicht für Abo-Besitzer, sehr wohl aber für Menschen, die sich in der Zwischenwelt „Soll ich?“ oder „Soll ich nicht?“ befinden. Die Gründe, die sich einem Konzertbesuch in den Weg stellen sind ja zur Genüge erforscht. Auch wenn man die ordentlich recherchierten Daten nachlesen kann habe ich mich im Freundes – und Bekanntenkreis selbst auf die Suche nach Hinderungsgründen gemacht. Ich habe die Frage dabei bewusst offen gelassen, also nicht differenziert gefragt warum man nicht in die Oper, ins Symphonie – oder Kammerkonzert geht sondern einfach die Frage „Warum gehst du nie ins klassische Konzert?“ gestellt.

Hier folgt mein persönliches Best Of:

„4 Stunden sind mir zu lang“

„Ich hab keinen Anzug“

„Was soll ich unter alten Leuten?“

„Das ist Musik für Spießer“

„Von dem Gekreische bekomme ich Kopfweh“

„Das ist mir zu abgehoben“

„Wagner war doch ein Nazi, oder?“

Wohlgemerkt – das sind Zitate aus meinem persönlichen Umfeld, von Menschen, die über eine abgeschlossene Ausbildung oder einen Hochschulabschluss verfügen. Das sind keine Dummköpfe. Dass der Klassikbetrieb dieses Image selbst zu verantworten hat ist klar. Dass er viel zu wenig dagegen tut um das zu ändern, auch.

Aber zurück zur behind the scenes – Fotografie. Diese Fotografie ist der Türgriff, die persönlich gestaltete Einladungskarte. Sie zeigt was drinnen ist.  Jedes Restaurant, an dem Sie vorbei marschieren und daraufhin Lust bekommen es kennen zu lernen hat in Ihnen die Frage „Whats inside?“ ausgelöst. Auf englisch klingt das einfach besser.  Jedes Buch, dass Sie in einer Buchhandlung durchblättern hat den wichtigsten Schritt bereits geschafft: Sie sind neugierig geworden. Das Restaurant hat  Ihnen das Versprechen gegeben, dort einen feinen Abend genießen zu können, das Buch verspricht Ihnen ein paar Stunden abseits des Alltags.

Klassik-Neulinge bekommen in der traditionellen Orchester-Fotografie das Versprechen, dass sie sich im Konzert langweilen werden.  Aus dem einfachen Grund, weil die Fotografien langweilig sind. Nicht langweilig im Sinne von schlecht gemacht, einige sind technisch sogar hervorragend.  Langweilig im Sinne von „Interessiert mich nicht“.  Taucht eine solche Fotografie in der Timeline auf, funktioniert sie wie ein Scrollbeschleuniger für den Daumen.

Sie glauben mir nicht? Dann versuchen Sie einmal gedanklich, die Unterschiede in den Fotografien von verschiedenen großen oder weniger bekannten Orchestern auszumachen. Sie werden schnell bemerken, dass die Bilder austauschbar sind. Immer die gleichen Posen, immer die gleichen von oben – Bilder.  Wäre das nicht schon schlimm genug, so verstärken die Bilder zumindest einige der oben genannten Einstellungen über klassische Musik.  Man auch niemandem einen Vorwurf daraus machen, wenn er oder sie von spießigen Bildern auf spießige Musik schließt, oder?

Und genau da setzt gute behind-the-Scenes-Fotografie an. Sie dokumentiert nicht nur – sie erzählt. Sie wirft einen Blick hinter die Kulisse, der Nähe schafft statt Abstand, Emotion statt Etikette. Das Menschliche. Und genau dieses Menschliche ist es, was potenzielle Besucherinnen anspricht, die sich noch in der klassischen „Unentschieden-Zone“ befinden:

Simon Rattle im  restlosen Glück, Igor Levit, wie er alle Hüllen fallen lässt und völlig in der Musik versinkt, Anna  Netrebko, die sich mit ihrem Handy hinter einem Vorhang versteckt, Maxime  Pascal, der sich beim Dirigieren die Seele aus dem Leib schwitzt, der nicht gerade ansprechende Backstageraum eines der bekanntesten  Aufführungshäuser der Welt, die Schlagwerkerin des European Union Youth Orchestras im Tanktop,  Raphaela Gromes, die sich nach einem Witz kaum halten kann - das hat Kraft. All das hat Charme. Und – Überraschung! –  das kann Leute abholen. Zumindest sagen das die Menschen, denen ich zuvor die Frage gestellt hatte, warum sie nicht ins Konzert gehen.

Wer reingezoomt wird, fühlt sich eingeladen.
Behind-the-scenes-Fotografie ist kein Beiwerk, sie ist die Botschaft. Sie sagt: "Schau, so sind wir. Ganz normale Menschen, die sich die größte Mühe geben etwas Schönes erschaffen. Und du darfst dabei sein."

Und ja, diese Art von Fotografie verändert etwas. Nicht sofort, nicht dramatisch – aber kontinuierlich. Sie schleicht sich ins Bewusstsein. Baut Brücken. Hebt Schwellen ab. Und vielleicht, ganz vielleicht, klickt da jemand auf den nächsten Konzertlink, der noch nie einen Fuß in einen Konzertsaal gesetzt hat. Einfach weil er sich fragt: „What´s inside?“

What’s inside?

From my perspective, behind-the-scenes photography is the single most important marketing tool for orchestras.
Maybe not for people who already have season tickets,
but definitely for those in the in-between space – the “Should I?” or “Should I not?” crowd.

The reasons people don’t go to classical concerts have been well researched.
But instead of quoting the data, I went on my own mini mission – asking friends and acquaintances a very simple, open question:
“Why don’t you go to classical concerts?”
(Not “Why not the opera?” or “Why not chamber music?” – just the whole thing.)

Here’s my personal best-of:

• “Four hours is too long.”

• “I don’t own a suit.”

• “What would I do surrounded by old people?”

• “That’s music for snobs.”

• “The screeching gives me a headache.”

• “It’s too highbrow for me.”

• “Wasn’t Wagner a Nazi?”

Important to mention: These quotes are from people with proper educations, degrees, careers. Not idiots. And yes – the classical world is partly to blame for this image. And no – it hasn’t done nearly enough to change it.

So let’s go back to behind-the-scenes photography.
This kind of photography is the door handle – the personalized invitation.
It shows what’s inside.

Every restaurant you’ve ever walked past and suddenly wanted to try – it sparked one key question in you:
What’s inside?
Every book you’ve ever picked up and leafed through – same thing. It already won. You were curious.

Now let’s talk about traditional orchestra photography.
To someone new to classical music, it promises one thing:
You’re going to be bored.
Why? Because the photos themselves are boring.

Not bad, technically. Some are superb.
But they’re boring in the sense of “This doesn’t interest me.”

If one of these pictures pops up on a timeline, it functions as a scroll accelerator.
You don’t slow down. You don’t click. You move on.

Don’t believe me?
Try mentally comparing the photos from different major or lesser-known orchestras. You’ll notice something quickly: they’re interchangeable. Same poses. Same top-down angles.

And as if that weren’t bad enough, many of those photos actually reinforce the very stereotypes people already have: Stiff. Boring. Elitist. So can you really blame someone for assuming the music is just as uptight as the images?

That’s where good behind-the-scenes photography steps in.
It doesn’t just document – it tells a story.
It pulls back the curtain and creates connection instead of distance.
Emotion instead of etiquette.
It shows the human side.

And that is what speaks to potential concertgoers who are still on the fence.

Simon Rattle in sheer bliss. Igor Levit fully surrendering to the music. Anna Netrebko hiding behind a curtain with her phone. Maxime Pascal sweating his soul out while conducting. The not-so-glamorous backstage room of one of the world’s most famous concert halls. The percussionist from the EUYO in a tank top.Raphaela Gromes laughing so hard she can’t breathe.

That has power. That has charm.
And – surprise! – that kind of stuff can reach people. At least, that’s what the people told me – the very same ones I asked about why they don’t go to concerts.

If you’re drawn into a photo – zoomed in – you feel invited. Behind-the-scenes photography isn’t just a side dish. It is the message.

It says: “Look, this is who we are. Real people trying our best to create something beautiful. And you’re invited.”

And yes – this kind of photography makes a difference.
Not overnight. Not dramatically.
But steadily.

It sneaks into people’s awareness.
Builds bridges. Lowers thresholds.

And maybe, just maybe, someone who’s never set foot in a concert hall will click on that next concert link –
simply because they’re asking themselves:
What’s inside?

Das „Eine kleine Nachtmusik“-Syndrom

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„Mozart war ein Wunderkind.“
„Beethoven komponierte taub.“
„Bruckner musste zwei Stunden zu Fuß zu seinen Orgelstunden laufen.“

Teenager finden solche Geschichten beeindruckend. Ich weiß das, weil ich viele Jahre Musik an einer Brennpunktschule unterrichtet habe.

Das Interesse der Kids bleibt – bis ich mich zurücklehne und ihnen etwas Klassisches vorspiele, zum Beispiel Mozarts Eine kleine Nachtmusik. Ein Stück, das  bis zur Erschöpfung gespielt wurde. Aber, so mein Gedanke, immerhin erkennen sie es aus der Werbung wieder. Doch sobald das erste Taa – tataa – tatatatataa erklingt, beginnt die erste Reihe mit der letzten zu quatschen, eine mysteriöse Welle akuter Blasenschwäche erfasst das Klassenzimmer, und unter den Tischen werden Zigaretten gedreht.

Wenn ich stattdessen Samuel Barbers Adagio auflege, dazu dirigiere und mich voll in den Schmerz hineinfallen lasse – ohne Angst, mich vor der Klasse zum Affen zu machen – dann starren mich eine Gruppe Möchtegern-Gangster und Möchtegern - Soap-Darstellerinnen an, als wären Sie gerade Zeuge geworden, wie ihr Lehrer den Verstand verliert. Aber nur für einen Moment.  Als Zugabe gibt’s Mahlers Adagietto aus der Fünften – vor einem jetzt mucksmäuschenstillen Klassenzimmer.

Das ist nun einige Jahre her.

Dass ich heute Fotografie nutze, um die Wahrnehmung von klassischer Musik vom Eine kleine Nachtmusik-Syndrom zu befreien, fühlt sich vollkommen logisch an. Mit den richtigen Partnern kann ich viel mehr Menschen erreichen. Und eigentlich mache ich nichts grundlegend anderes:

Ich präsentiere etwas Neues.

Ich versuche, die Menschen dort abzuholen, wo sie stehen – durch meine eigene Authentizität und visuelles Erzählen.

Ich setze auf Emotionen.

Ich versuche nicht, klassische Musik als etwas zu verkaufen, das sie nicht ist. Sie ist nicht cool im jugendlichen Sinne. Sie ist nicht hip. Aber sie bewegt wie keine andere Musik – manchmal so sehr, dass es mich in meine Einzelteile zerlegt.

Was für den Unterricht galt gilt auch für die Fotografie. Möchte ich, dass man mir zuhört, muss ich alles daran setzen dass man das auch tut. Wenn ich das nicht mache habe ich auch kein Recht zu hoffen, dass der Funke überspringt.

The “Eine kleine Nachtmusik Syndrome”.

“Mozart was a child prodigy.”
“Beethoven composed while deaf.”
“Bruckner had to walk two hours on foot to get to his organ lessons.”

Teenagers find stories like that impressive.
I know this because I spent years teaching music at a tough inner-city school.

Their interest usually lasts… right up until the moment I sit back and play them something classical – like Mozart’s Eine kleine Nachtmusik.
A piece played to the point of exhaustion. But I figured: At least they’ll recognize it from commercials.

But the second that first taa – tataa – tatatatataa hits, the front row starts chatting with the back, a mysterious wave of sudden bladder emergencies sweeps through the classroom, and cigarettes start getting rolled under the desks.

Now, when I put on Samuel Barber’s Adagio, start conducting it, and let myself fall completely into the pain – with zero fear of making a fool of myself in front of the class – suddenly a group of wannabe gangsters and soap-opera divas stare at me like they’ve just witnessed their teacher losing his mind.

But only for a moment. Then comes the encore: Mahler’s Adagietto from his Fifth – and the classroom is dead silent.

That was a few years ago.

That I now use photography to free classical music from the Eine kleine Nachtmusik syndrome”
feels like the most natural thing in the world.

With the right partners, I can reach so many more people.
And really, I’m not doing anything fundamentally different:
I’m presenting something in a new way.

I’m meeting people where they are – through authenticity and visual storytelling.

I lead with emotion.

I’m not trying to sell classical music as something it’s not.
It’s not “cool” in a teenage sense. It’s not trendy. But it moves like no other music does – sometimes so deeply it breaks me into a thousand pieces.

And what was true for teaching is just as true in photography: If I want people to listen, I have to give everything to share my enthusiasm. If I can’t manage that, I have no right to hope the spark will catch.

„Niemand interessiert sich für Fakten.“ (Henri Cartier-Bresson)

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Ich kenne kaum ein fotografisches Genre, auf das dieses Zitat besser zutrifft als auf die Konzertfotografie – und ganz besonders auf die Orchesterfotografie.

Warum?
Erstens weiß jeder, wie ein Orchester aussieht. Zweitens lässt sich Musik nicht fotografieren. Punkt.
Und trotzdem versuchen wir’s. Der einzige Weg, diesem Ding namens Orchesterfotografie überhaupt eine Chance zu geben, führt über Emotion. Gefühl statt Fakten. Gänsehaut statt Geigenkasten.

Genau diesem Ansatz wird in der Orchesterfotografie allerdings erschreckend wenig Beachtung geschenkt – und das, obwohl das Zitat von einem der bedeutendsten Fotografen des 20. Jahrhunderts stammt.

Schauen wir uns das Ganze doch mal etwas genauer an:
Für mich gibt es zwei Arten von Orchesterfotografie – die professionelle und die amateurhafte. Beide haben ihre Berechtigung, gerade in Sachen Marketing. Und doch fehlt mir bei beiden oft das Entscheidende: Die Magie. Das, was berührt. Das, was mich daran hindert, weiter zu scrollen. Stattdessen sehe ich meist nur das, was ich ohnehin schon weiß – was jeder weiß:

1. Die Amateurfotografie zeigt mir, dass ein Orchester aus Menschen mit Instrumenten besteht und dass man in einem Gang warten muss bis man auf die Bühne darf.

2. Die Profifotografie verrät mir, wie schön Konzertsäle sind und dass Dirigent:innen immer wieder mal die Arme in die Luft reißen.

Sie finden das spannend? Motivierend, ein Konzert zu besuchen? Ich nicht.

Das alles sind bekannte Fakten, die niemand braucht. Vor allem nicht, wenn es um Musik geht. Um klassische Musik. Die vielleicht größte künstlerische Errungenschaft, die die Menschheit je hervorgebracht hat.

Grundsätzlich  wäre das ja nicht so schlimm, würde diese Art von Fotografie  nicht Menschen in ihrem Vorurteil bestätigen, dass die Musik steif, elitär und langweilig ist.

Was viele aber nicht wissen, ist, dass klassische Musik keineswegs elitär oder steif ist.  Das zu zeigen ist meiner Ansicht nach die Kernaufgabe eines Orchesterfotografen. Emotion. Hingabe. Leidenschaft. Persönliche Momente. Kleine Blickwechsel. Große Gefühle. Augenblicke, in denen Musiker:innen einfach mal nicht das tun, was man erwartet. Und am allerwichtigsten:  Bilder, die überraschen und Vorurteile aufbrechen.

Auch wenn all das tatsächlich bei einer Orchesterprobe stattfindet: Es reicht nun mal nicht, dies in einem schnell geknipsten Bild  festzuhalten und zu erwarten, dass ein Aha-Erlebnis stattfindet. Das Licht muss im Betrachter den Wunsch auslösen mehr zu sehen. Man muss das Bild fühlen. Die Emotionen müssen durch das Bild springen, sich festhaken, Gänsehaut machen, authentisch sein. Nur dann können die Fotografien der Musik auch nur ansatzweise gerecht werden. Die Bildsprache, das Kommunikationsmittel der Fotografie, spielt dabei die größte Rolle. Und kein Medium kann das besser als die Schwarzweißfotografie.

Solche Fotografien zu machen braucht Zeit, Geduld und  Schweiß.
Aber die Musik hat’s verdient.

“Nobody cares about facts.” (Henri Cartier-Bresson)

I can hardly think of a photographic genre to which this quote applies more than concert photography – and especially orchestra photography.
Why?
First, everyone knows what an orchestra looks like. Second, music can’t be photographed. Period.
And yet we try. The only way to give this thing called orchestra photography a real chance is through emotion. Feeling instead of facts. Goosebumps instead of violin cases.

And yet, this approach is shockingly underappreciated in orchestra photography – despite the quote coming from one of the most important photographers of the 20th century.

So let’s take a closer look:

To me, there are two types of orchestra photography – the professional and the amateur kind. Both have their place, especially in the context of marketing. But both often lack the most crucial thing: Magic.
The thing that touches you.
The thing that stops you from scrolling on.

Instead, I mostly see what I already know – what everyone already knows:

1. Amateur photography shows me that an orchestra consists of people with instruments, and that you have to wait in a hallway before going on stage.

2. Professional photography shows me how beautiful concert halls are and that conductors like to throw their arms into the air from time to time.

Does that excite you? Does that make you want to go to a concert?
It doesn’t for me.

These are all familiar facts that no one needs – especially not when it comes to music. Classical music, of all things. Perhaps the greatest artistic achievement humanity has ever created.

And honestly, that wouldn’t even be so bad – if this kind of photography didn’t keep reinforcing the cliché that classical music is stiff, elitist, and boring.

But what many people don’t realize is that classical music is anything but elitist or stiff.
Showing that – that is, in my opinion, the core task of an orchestra photographer.
Emotion. Devotion. Passion. Personal moments. Quick glances. Big feelings.
Moments in which musicians do exactly what you wouldn’t expect. And most importantly: images that surprise and shatter prejudice.

Even if all of this does happen during an orchestra rehearsal: snapping a quick photo and expecting an “aha” moment just isn’t enough.
The light has to ignite something in the viewer – a desire to see more. The image has to be felt. The emotion has to leap off the photo, stick to you, give you goosebumps – be real.

Only then can photography even begin to do justice to the music. The visual language – the photographic voice – plays the biggest role here. And no medium does that better than black and white photography.

Creating images like that takes time, patience, and sweat. But the music is worth it.

Traue auf keinen Fall den Fotos!

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Im ersten Semester Soziologie lernt man: Menschen mögen Menschen, die so ticken wie sie selbst. Die ähnlich denken, fühlen, aussehen. In jeder Fotografie-Ausbildung lernt man, dass so etwas wie objektive Fotografie nicht existiert.  Und schon sind wir mittendrin!  Diese herrliche Erfindung  „Fotografie“ erlaubt es mir nämlich, exakt das zu zeigen, was andere sehen sollen – und wie sie es sehen sollen.

Genau das passiert auch: Die Dirigentin blickt verträumt in die Ferne oder wirft dramatisch die Arme in die Luft – ein  sensationelles  Motiv. Und die Musiker:innen nach dem Konzert? Erinnern auf den allermeisten Fotografien eher an den Morgenappell auf dem Kasernenhof. Erwähnenswert ist in einem solchen Fall das Publikum. Vielleicht bin ich da ein Sonderfall – aber wenn mich ein Konzert so richtig abholt, dann sieht man das. Im Gesicht, im Körper.  Überall.
Was man auf den Fotografien nicht sieht ist,  wie begeistert das Publikum ist. Ich meine wirklich begeistert – nicht wohlwollend applaudierend. Was man ebenfalls nicht sieht ist die menschliche Seite der Musiker:innen, die es mir ermöglicht, an ihre Welt anzudocken. Und wenn, dann sind es oft  Schnappschüsse, die den Betrachter nur weiter scrollen lassen.

Auch farblich sprechen die Fotografien eine eindeutige Sprache:
Die meisten professionellen Bilder wollen auf Teufel komm raus wie ein Hochzeitsalbum aussehen: Weiche Brauntöne, leicht verblichenes Grün, ein sanftes Gelb – bloß nicht zu sehr in die emotionale Ecke gehen.  

Und jetzt stellen wir uns mal vor, wir wären außen vor.

Keine Insider, keine Musikerfreunde, keine Jahresabo-Besitzer. Nur neugierig. Und dann sehen wir diese Bilder.
Ist es dann verwunderlich, wenn man glaubt, dass man beim Konzertbesuch keine innere Ekstase zu erwarten hat? Oder dass man als liberal-offener Mensch (oder rechts denkender, dem das Establishment sowieso ein Dorn im Auge ist),  dem soziologischen Gedanken folgend dort niemanden trifft, mit dessen Welt man sich identifizieren kann?

Dabei ist, zumindest was die Ekstase betrifft, das Gegenteil der Fall.
Wenig bringt mich so zuverlässig in den Zustand völliger Verzückung wie Mahler. Oder Brahms. Oder Bach. Oder Bruckner. Und ich bin ein Punk.

Natürlich gibt’s Ekstase im Publikum.

Natürlich besteht das Publikum nicht ausschließlich aus Großeltern.

Natürlich spielen Musiker:innen mit vollster Leidenschaft.

Natürlich wird hinter der Bühne gelacht, gejubelt, manchmal auch geflucht.

Aber warum – warum zur Hölle – sieht man davon nichts? Und wenn – warum in einer Bildsprache, die das Gegenteil von dem sagt, was die Fotografie sagen will?

Stattdessen: Ein konservatives Bild, das nicht totzukriegen ist. Und das, obwohl viele Veranstalter und Orchester genau davon wegwollen. Offenbar scheinen sanfte Farben, steife Posen und emotionsfreier Hochglanz immer noch wichtiger zu sein als echte Begeisterung und Magie. Ausnahmen – gottlob – bestätigen die Regel.

Don´t trust the photos!

In your first semester of sociology, you learn: people like people who are like themselves. Who think the same, feel the same, look the same.
In your first photography course, you learn: there’s no such thing as objective photography.

And boom – here we are.

This glorious invention called “photography” allows me to show exactly what I want others to see – and how I want them to see it.

And that’s exactly what happens:
The conductor gazes dreamily into the distance or throws her arms into the air in dramatic fashion – a sensational image.
And the musicians after the concert?
On most photos, they look like they’re standing in formation at morning roll call.

What’s actually worth looking at in that moment is the audience.
Maybe I’m an outlier – but when a concert really hits me, you can see it. In my face, in my body. Everywhere.

But what you don’t see in those photos is how moved the audience truly is.
I mean really moved – not politely clapping. And you also don’t see the human side of the musicians – the thing that allows me to connect with their world.
And if you do see it, it’s usually in a random snapshot that just makes you scroll on.

The color language in most of these photos also speaks volumes:
A lot of professional images try way too hard to look like a wedding album – soft brown tones, gently faded greens, pastel yellows – anything to avoid getting too emotional.

Now imagine for a moment: we’re outsiders.

No insiders, no musician friends, no season subscriptions. Just curious.
And then we see those pictures.

Is it really surprising if we assume that a concert visit isn’t exactly going to blow our minds?
Or that – following basic sociology – as liberal-minded people (or even right-wing folks with a distaste for the cultural establishment), we assume we won’t find anyone there who thinks or feels like we do?

And yet the truth is – at least when it comes to inner ecstasy – the exact opposite is true. Few things can send me into a state of total rapture like Mahler. Or Brahms. Or Bach. Or Bruckner.
And I’m a punk.

Of course there’s ecstasy in the audience.
Of course the crowd isn’t just made up of grandparents.

Of course the musicians play with absolute passion.
Of course people laugh backstage, celebrate, sometimes even curse.

But why – why the hell – do we never see that?
And if we do – why is it framed in a visual language that says the opposite of what it’s trying to say?

Instead, we get this ultra-conservative image that just won’t die.
And that’s despite the fact that many orchestras and organizers are actively trying to move away from that.

Apparently, soft colors, stiff poses, and glossy emotionless imagery are still considered more important than real excitement and raw magic.

Thank god for the exceptions – they prove the rule.