„Niemand interessiert sich für Fakten.“ (Henri Cartier-Bresson)
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Ich kenne kaum ein fotografisches Genre, auf das dieses Zitat besser zutrifft als auf die Konzertfotografie – und ganz besonders auf die Orchesterfotografie.
Warum?
Erstens weiß jeder, wie ein Orchester aussieht. Zweitens lässt sich Musik nicht fotografieren. Punkt.
Und trotzdem versuchen wir’s. Der einzige Weg, diesem Ding namens Orchesterfotografie überhaupt eine Chance zu geben, führt über Emotion. Gefühl statt Fakten. Gänsehaut statt Geigenkasten.
Genau diesem Ansatz wird in der Orchesterfotografie allerdings erschreckend wenig Beachtung geschenkt – und das, obwohl das Zitat von einem der bedeutendsten Fotografen des 20. Jahrhunderts stammt.
Schauen wir uns das Ganze doch mal etwas genauer an:
Für mich gibt es zwei Arten von Orchesterfotografie – die professionelle und die amateurhafte. Beide haben ihre Berechtigung, gerade in Sachen Marketing. Und doch fehlt mir bei beiden oft das Entscheidende: Die Magie. Das, was berührt. Das, was mich daran hindert, weiter zu scrollen. Stattdessen sehe ich meist nur das, was ich ohnehin schon weiß – was jeder weiß:
Die Amateurfotografie zeigt mir, dass ein Orchester aus Menschen mit Instrumenten besteht und dass man in einem Gang warten muss bis man auf die Bühne darf.
Die Profifotografie verrät mir, wie schön Konzertsäle sind und dass Dirigent:innen immer wieder mal die Arme in die Luft reißen.
Sie finden das spannend? Motivierend, ein Konzert zu besuchen? Ich nicht.
Das alles sind bekannte Fakten, die niemand braucht. Vor allem nicht, wenn es um Musik geht. Um klassische Musik. Die vielleicht größte künstlerische Errungenschaft, die die Menschheit je hervorgebracht hat.
Grundsätzlich wäre das ja nicht so schlimm, würde diese Art von Fotografie nicht Menschen in ihrem Vorurteil bestätigen, dass die Musik steif, elitär und langweilig ist.
Was viele aber nicht wissen, ist, dass klassische Musik keineswegs elitär oder steif ist. Das zu zeigen ist meiner Ansicht nach die Kernaufgabe eines Orchesterfotografen. Emotion. Hingabe. Leidenschaft. Persönliche Momente. Kleine Blickwechsel. Große Gefühle. Augenblicke, in denen Musiker:innen einfach mal nicht das tun, was man erwartet. Und am allerwichtigsten: Bilder, die überraschen und Vorurteile aufbrechen.
Auch wenn all das tatsächlich bei einer Orchesterprobe stattfindet: Es reicht nun mal nicht, dies in einem schnell geknipsten Bild festzuhalten und zu erwarten, dass ein Aha-Erlebnis stattfindet. Das Licht muss im Betrachter den Wunsch auslösen mehr zu sehen. Man muss das Bild fühlen. Die Emotionen müssen durch das Bild springen, sich festhaken, Gänsehaut machen, authentisch sein. Nur dann können die Fotografien der Musik auch nur ansatzweise gerecht werden. Die Bildsprache, das Kommunikationsmittel der Fotografie, spielt dabei die größte Rolle. Und kein Medium kann das besser als die Schwarzweißfotografie.
Solche Fotografien zu machen braucht Zeit, Geduld und Schweiß.
Aber die Musik hat’s verdient.
“Nobody cares about facts.” (Henri Cartier-Bresson)
I can hardly think of a photographic genre to which this quote applies more than concert photography – and especially orchestra photography.
Why?
First, everyone knows what an orchestra looks like. Second, music can’t be photographed. Period.
And yet we try. The only way to give this thing called orchestra photography a real chance is through emotion. Feeling instead of facts. Goosebumps instead of violin cases.
And yet, this approach is shockingly underappreciated in orchestra photography – despite the quote coming from one of the most important photographers of the 20th century.
So let’s take a closer look:
To me, there are two types of orchestra photography – the professional and the amateur kind. Both have their place, especially in the context of marketing. But both often lack the most crucial thing: Magic.
The thing that touches you.
The thing that stops you from scrolling on.
Instead, I mostly see what I already know – what everyone already knows:
Amateur photography shows me that an orchestra consists of people with instruments, and that you have to wait in a hallway before going on stage.
Professional photography shows me how beautiful concert halls are and that conductors like to throw their arms into the air from time to time.
Does that excite you? Does that make you want to go to a concert?
It doesn’t for me.
These are all familiar facts that no one needs – especially not when it comes to music. Classical music, of all things. Perhaps the greatest artistic achievement humanity has ever created.
And honestly, that wouldn’t even be so bad – if this kind of photography didn’t keep reinforcing the cliché that classical music is stiff, elitist, and boring.
But what many people don’t realize is that classical music is anything but elitist or stiff.
Showing that – that is, in my opinion, the core task of an orchestra photographer.
Emotion. Devotion. Passion. Personal moments. Quick glances. Big feelings.
Moments in which musicians do exactly what you wouldn’t expect. And most importantly: images that surprise and shatter prejudice.
Even if all of this does happen during an orchestra rehearsal: snapping a quick photo and expecting an “aha” moment just isn’t enough.
The light has to ignite something in the viewer – a desire to see more. The image has to be felt. The emotion has to leap off the photo, stick to you, give you goosebumps – be real.
Only then can photography even begin to do justice to the music. The visual language – the photographic voice – plays the biggest role here. And no medium does that better than black and white photography.
Creating images like that takes time, patience, and sweat. But the music is worth it.