Authentizität vs situative Inszenierung.

Laut Duden bedeutet „authentisch“ so viel wie echt oder wahrhaftig. Eine Definition, die – betrachtet man die Vielzahl an Ratgebern, die erklären, wie man authentische Körpersprache erlernt oder ein authentischer Gentleman wird – etwas abgenutzt bis unglaubwürdig wirkt.

Dennoch wird Authentizität viel zugeschrieben: In der Markenentwicklung. In der Persönlichkeitsbildung. Im Bewerbungsgespräch. Im Dating. In der Kunst. Und natürlich in der Fotografie.

Den Begriff der Authentizität jedoch direkt mit Behind-the-Scenes-Fotografie zu verknüpfen, halte ich für problematisch.

Warum?

Jemanden authentisch zu fotografieren setzt voraus, diese Person wirklich gut zu kennen. Und selbst dann ist der Moment, in dem ein Foto entsteht, nur einer von vielen ebenso „echten“ Augenblicken, denen man theoretisch dieselbe Bedeutung zuschreiben könnte. Hinzu kommt das Licht – ein Faktor, der jede Situation maßgeblich beeinflusst und Mimik oder Körpersprache verstärken, verfremden oder sogar in einen wahrnehmbaren Widerspruch führen kann.

Einige Ratgeber zur authentischen Porträtfotografie empfehlen beispielsweise, das Model zu bitten, an einen traurigen Moment zu denken. Das Ergebnis ist oft eine eindringliche, emotionale Fotografie. Doch sie zeigt wiederum lediglich einen Ausschnitt der Persönlichkeit – den traurigen.

Ganz falsch ist dieser Ansatz nicht. Schließlich wird Authentizität häufig als Gegenpol zur Inszenierung verstanden. Dauerhafte Fröhlichkeit wäre demnach ebenso unecht. Und doch entsteht hier ein Paradoxon: Auch die Darstellung von Trauer ist eine Form der Inszenierung. Spätestens an diesem Punkt wird deutlich, wie schwierig der Begriff ist.

Situative Inszenierung.

Behind-the-Scenes-Fotografie lebt davon, Einblicke zu geben – Momente zu zeigen, die dem Publikum normalerweise verborgen bleiben. Nicht inszeniert und deshalb interessant. So heißt es zumindest.

Und doch stimmt auch das nur bedingt. Würde ich nicht mit meiner Kamera das tun, was ich situative Inszenierung nenne – also die vorhandenen Faktoren Mensch, Raum und Licht bewusst zusammenzuführen –, sähen meine Fotografien von Orchesterproben aus wie ein beliebiges Familienalbum, das man vielleicht einmal im Jahr hervorholt.

Gerade diese Form der Inszenierung macht für mich den Reiz der Orchesterfotografie aus. Ich greife nicht ein. Ich beeinflusse keine Abläufe. Ich habe keinerlei Kontrolle darüber, wie sich Musikerinnen und Musiker fühlen oder was sie im nächsten Moment tun. Ich erzähle ausschließlich das, was geschieht.

Der Unterschied zwischen Authentizität und situativer Inszenierung liegt folglich nicht im Geschehen selbst.
Er liegt in der Bildsprache.

.Meine Aufgabe ist es, möglichst unsichtbar zu bleiben – und das Vorhandene in einer Bildsprache festzuhalten, die sich sowohl von vertrauter Inszenierung als auch von Beliebigkeit unterscheidet. Ich kombiniere sichtbare Faktoren und jenes gewisse Unsichtbare so, dass im Betrachter Emotion entsteht und das Bild im Gedächtnis bleibt. Licht, Perspektive, Raum und die Musiker:innen selbst bilden dabei eine Einheit. Die Bildsprache ist letztlich das entscheidende Kriterium dafür, ob eine Fotografie als berührend und glaubwürdig wahrgenommen wird – oder als austauschbar.

Dass ein Orchester aus Menschen besteht, die authentisch musizieren und handeln, steht außer Frage.
Meine Aufgabe ist nicht, diese Authentizität zu beweisen.
Meine Aufgabe ist es, sie im Zusammenspiel von Raum, Licht und Moment für das Publikum erfahrbar zu machen.

Authenticity vs. “Situational Staging”

According to the Duden dictionary, authentic means genuine or truthful. A definition that feels increasingly worn—if not slightly implausible—when one considers the countless guides explaining how to learn authentic body language or how to become an authentic gentleman.

And yet, authenticity is widely invoked. In brand development. In personal growth. In job interviews. In dating. In the arts. And, of course, in photography.

Linking the concept of authenticity directly to behind-the-scenes photography, however, strikes me as problematic.

Why?

Photographing someone “authentically” first requires knowing that person well. And even then, the moment in which a photograph is taken is only one among many equally “true” moments—each of which could, in theory, be granted the same significance. Add to this the role of light: a factor that profoundly shapes every situation, capable of reinforcing, distorting, or even contradicting facial expressions and body language.

Some guides to authentic portrait photography, for example, suggest asking the subject to think of a moment of sadness. The result is often a powerful, emotionally charged image. Yet it still shows only one fragment of a personality—the sad one.

This approach is not entirely misguided. Authenticity is frequently understood as the opposite of staging; perpetual cheerfulness would hardly seem genuine. And yet, a paradox emerges: the portrayal of sadness is itself a form of staging. At this point, it becomes clear just how elusive the concept of authenticity really is.

Situational Staging

Behind-the-scenes photography is said to thrive on offering insights—on showing moments usually hidden from the public. Unstaged, and therefore compelling. At least, that is the common assumption.

And yet, this is only partly true.

If I did not do what I call situational staging with my camera—consciously bringing together the existing elements of people, space, and light—my photographs of orchestra rehearsals would resemble a generic family album, one you might leaf through once a year at most.

It is precisely this form of staging that fascinates me about orchestral photography. I do not intervene. I do not influence processes. I have no control over how musicians feel or what they will do in the next moment. I merely tell what is happening.

The difference between authenticity and situational staging, therefore, does not lie in the event itself.
It lies in the visual language.

My task is to remain as invisible as possible—and to capture what is there in a visual language that sets itself apart from both familiar staging and arbitrariness. I bring together visible elements and that subtle, invisible quality in a way that evokes emotion in the viewer and allows the image to linger in memory. Light, perspective, space, and the musicians themselves form a single whole.

Visual language is ultimately the decisive factor in whether a photograph is perceived as moving and credible—or as interchangeable.

That an orchestra consists of people who act and make music authentically is beyond question.
My task is not to prove this authenticity.
My task is to make it tangible for the audience through the interplay of space, light, and moment.