Storytelling in der Orchesterfotografie – Wenn Bilder beginnen, Musik zu sprechen

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Zugegeben: Der Begriff Storytelling ist überstrapaziert. Er wirkt wie ein Versprechen, das oft wiederholt und nur selten wirklich eingelöst wird. Artikel zu diesem Thema gibt es zuhauf – nicht jeder davon führt trotz eindringlicher Appelle zu einem tatsächlichen Erkenntnisgewinn. Vielleicht ist es an der Zeit, das Thema noch einmal neu zu betrachten. Und zwar mit Blick auf die Realität von Orchestern.

Doch was bedeutet es eigentlich, Geschichten in der Orchesterfotografie zu erzählen?
Gibt es diese Geschichten überhaupt?

Die klassische Orchesterfotografie befindet sich spürbar im Wandel. Erst vor wenigen Monaten stellte das Magazin Das Orchester die Frage nach zeitgemäßer Orchesterfotografie und stellte fest, dass die fotografische Darstellung von Orchestern im Vergleich zu anderen künstlerischen Disziplinen hinterherhinkt. Und ja: Eine Gruppe von achtzig Menschen fotografisch spannend umzusetzen, ist eine Herausforderung.

Gerade in dieser Größe liegt jedoch eine Chance. Storytelling kann dabei helfen, ein Orchester nicht nur zu zeigen, sondern erfahrbar zu machen. Die entscheidende Frage ist dabei weniger, welche Geschichten erzählt werden sollen oder welche Narrative verwendet werden.

Zielführender wäre: Wie sollen diese Geschichten erzählt werden?

Denn der erzählerische Wortschatz eines Orchesters ist, nüchtern betrachtet, begrenzt. Überspitzt gesagt: Eine Orchesterprobe hat keinen Plot. Und doch entstehen in ihr permanent Momente, die etwas erzählen – wenn man bereit ist, genau hinzusehen.

Hier beginnt die eigentliche Herausforderung. Zwischen ästhetischer Inszenierung und ehrlicher Erzählung verläuft ein schmaler Grat. Zu viel Glanz, und ein Bild verliert an Glaubwürdigkeit – besonders für Menschen, die noch keinen engen Bezug zur klassischen Musik haben. Zu viel vermeintliche „Authentizität“, und es droht Beliebigkeit. (Ich setze dieses Wort bewusst in Anführungszeichen, da ich nicht glaube, dass es so etwas wie objektive Authentizität in der Fotografie gibt.)

Ein Beispiel drängt sich auf.

Der Dirigent, die Dirigentin ist zweifellos das bevorzugte Motiv der Orchesterfotografie. Die ikonische Geste, der erhobene Arm, der konzentrierte Blick – all das erzählt innerhalb eines Augenblicks von Führung, Verantwortung und Hingabe. Es ist eine gute Geschichte. Aber sie ist abgenutzt, weil sie immer wieder auf dieselbe Weise erzählt wird.

Jede Dirigentin, jeder Dirigent arbeitet anders. Ich habe in den letzten Jahren unzählige erlebt. Und dennoch scheint es, als gäbe es visuell nur eine einzige Geschichte. Nicht, weil sich die Arbeit nicht unterscheidet, sondern weil die Bilder es nicht tun.

Dabei liegt gerade hier Raum für neue Perspektiven:
Wie sieht der Moment der Stille vor dem ersten Einsatz aus?
Wie zeigt sich eine musikalische Leitung, die nicht über dem Orchester steht, sondern Teil eines gemeinsamen Prozesses ist?

Währenddessen bleibt das Orchester selbst oft im Hintergrund – nicht im wörtlichen, sondern im erzählerischen Sinn. Musikerinnen und Musiker werden weltweit „bei der Arbeit“ gezeigt. Das ist richtig und wichtig. Aber gerade in diesen alltäglichen, realen Situationen liegt enormes erzählerisches Potenzial.

Am Ende läuft vieles auf zwei Begriffe hinaus: Spannung und Emotion. Denken Sie an eine Geschichte, die Sie wirklich berührt hat. Ein Buch, einen Film, ein Gespräch. Meist war es nicht der Plot allein, der gefesselt hat, sondern die Art, wie erzählt wurde. Mich fasziniert immer wieder, wie Autorinnen und Autoren aus scheinbar einfachen Situationen große Wirkung erzeugen – man denke an Marlen Haushofer oder an Haruki Murakami.

Behind-the-scenes-Fotografie ist immer ein Eingriff. Die Präsenz einer Kamera verändert eine Situation – und das ist nicht jedem angenehm. Hinzu kommt, dass hinter der Kamera ein Mensch steht, der entscheidet, welche Momente erzählenswert sind.

Deshalb ist Vertrauen zentral. Wenn vor einer Probe klar ist, wer fotografiert, wie gearbeitet wird und dass niemand ungefragt sichtbar gemacht wird, entsteht eine entspannte Atmosphäre. Mir ist es wichtig, vor dem Fotografieren Blickkontakt herzustellen – so zeigt sich schnell, wer sich gesehen fühlen möchte und wer nicht.

Meine Vereinbarung mit allen Orchestern war bisher immer eindeutig: Keine Fotografie wird ohne ausdrückliche Zustimmung veröffentlicht. Das sollte selbstverständlich sein. Und vielleicht ist es ein gutes Zeichen, dass mir noch nie jemand gesagt hat, ich solle leiser oder unauffälliger arbeiten.

Storytelling bedeutet nicht, schöne Bilder zu produzieren.
Es beginnt dort, wo sich Ästhetik und Ehrlichkeit begegnen. Nicht in der Pose, sondern im Prozess. Nicht im Ergebnis, sondern im Wunsch nach Begegnung zwischen Musiker:innen und Publikum.

 

Storytelling in Orchestral Photography – When Images Begin to Speak Music

Admittedly, the term “storytelling” feels overused—like a promise repeated too often and fulfilled too rarely. There is no shortage of articles and books on the subject, yet not every text, despite its insistence on following the “rules of storytelling,” actually offers new insight.
Perhaps it is time to look at the idea of storytelling again—this time with the specific needs of orchestras in mind.

But what does storytelling in orchestral photography actually mean?
Are there stories to be told at all?

Classical orchestral photography is undoubtedly in a state of transition. Only a few months ago, the German magazine Das Orchester raised the question of what contemporary orchestral photography should look like, noting that photography in the orchestral world lags behind other artistic disciplines. And indeed, photographing a group of eighty people in a creative and compelling way is no small challenge.

Precisely because orchestras are such large ensembles, storytelling offers new possibilities to get to know them more deeply. The question, however, is not so much which stories should be told, or which narratives should be chosen.

From my perspective, that question is already slightly off.
More helpful would be: Which stories does the audience want to hear?
And even that, to me, does not quite reach the core—especially given that the vocabulary from which orchestral stories can be formed is relatively limited. Put bluntly: an orchestra rehearsal does not follow a classical plot.

The more relevant question, therefore, is:
How should these stories be told?

This is where the real challenge begins. Between aesthetic staging and honest storytelling lies a very narrow line. Too much polish, and the image loses credibility—especially for those who are not yet classical music enthusiasts. Too much so-called “authenticity,” and the result risks becoming arbitrary or dull.
(I deliberately place “authenticity” in quotation marks here, as I am not convinced that such a thing truly exists in photography.)

Let’s make this visible through two familiar examples—at least in our mind’s eye.

The conductor is undoubtedly the object of desire for photographers and social media managers alike. And we all know the image: the one iconic pose that instantly tells the story of leadership, devotion, and control—the person who brings sound into being through gesture and presence. It is a powerful image. A good story.
And yet it feels worn.

Why? Because it has been told in exactly the same way too many times. Because the same visual vocabulary is repeatedly used to tell different stories. Every conductor works differently—I have encountered countless approaches over the years—and yet it often appears as though there were only one single narrative. Not because the stories are the same, but because they are told in the same way.

And precisely here lies the space for new—or newly told—stories.

What does the moment of silence before the first cue look like?
How does a conductor appear who does not act as an authority above the orchestra, but as part of a shared process?

Meanwhile, the orchestra itself often remains in the background—not literally, but narratively. Across continents and institutions, musicians are shown “at work.” This is unquestionably real. But situations that are deeply real are also the richest ground for storytelling—provided they are told with care, curiosity, and respect.

Again and again, it comes down to tension and emotion.

Think of a story that truly captivated you. A book, a film, a podcast, or something a colleague once told you. Chances are, it stayed with you because it touched you emotionally. Perhaps you wanted to know how it would end. Perhaps it was the way the story was told. I am repeatedly struck by how authors create masterpieces from seemingly simple plots—think of Marlen Haushofer’s The Wall, or certain novels by Haruki Murakami.

Of course, behind-the-scenes photography—whether explicitly framed as storytelling or not—always involves an intervention. The idea that an outsider might disturb the delicate ecosystem of a rehearsal is unsettling for some, and understandably so. Added to this is the fact that there is always a person behind the camera, bringing their own perspective on what is worth seeing.

This is where trust becomes essential.

If, before the rehearsal, I explain who I am, how I work, and make it clear that no one has to fear being made publicly visible in any form, the situation becomes noticeably more relaxed—and far more conducive to meaningful photographs. It is particularly important to me to establish eye contact with as many musicians as possible before shooting. It quickly becomes apparent who feels comfortable being photographed and who does not.

In fact, my agreement with every orchestra I have worked with has always been the same: no image is published without explicit permission. This should go without saying—ethically and legally—but it is worth stating clearly. Fortunately, I have never been asked to be quieter or less present during a rehearsal.

Storytelling is far more than creating a beautiful image.
True storytelling begins precisely in the tension between authenticity and aesthetics—not in arbitrariness, not in poses, but in process rather than result. Ultimately, it emerges from the desire to create a genuine encounter between musicians and audience.